Genesis - Nursery Cryme - 1971

Nursery Cryme (juego de palabras entre "nursery rhyme" canciones de jardín o guardería y "nursery crime" crimen en la guardería) es el tercer álbum del grupo Genesis y el primero tras la partida de Anthony Phillips y John Mayhew, fue grabado y publicado en 1971. También es el primer álbum en tener la formación de Peter Gabriel, Tony Banks, Mike Rutherford, Phil Collins, y Steve Hackett. Esta formación quedaría sin cambios hasta la partida de Gabriel en 1975 y es una de las que tuvo más éxito aunque más tarde fueron superados por el trío "Collins, Banks y Rutherford".

Aunque el disco no fue un éxito al momento del lanzamiento en su tierra natal, Nursery Cryme se convirtió, de forma inesperada, en un éxito en Italia donde alcanzó el número 4 en los rankings. Esto creó una relación de lealtad entre Genesis y sus fans italianos que incluso dura hasta la actualidad. Eventualmente, el álbum alcanzó el número 39 en los rankings ingleses tras una nueva edición del año 1974.(Wikipedia)

NURSERY CRYME FULL ALBUM

Nursery Cryme apartó al grupo del sonido de Trespass y lo sumergió en una nueva era. La mayor parte de las canciones fueron compuestas entre todos los miembros del grupo. Sin embargo, y a pesar de los increíbles talentos musicales de Steve Hackett, sus contribuciones eran mínimas durante el tiempo que estuvo en la banda. Durante las primeras épocas del grupo, Banks y Rutherford escribían la mayor parte de la música, mientras que Gabriel escribía la mayor parte de las letras.

THE MUSICAL BOX

Fuertemente influenciados por los gustos musicales de Banks y Gabriel, se explora ampliamente la dinámica en canciones como "The Musical Box" y "Fountain Of Salmacis", contrastando con el sonido acústico de Tresspass. La predilección de Gabriel por las letras misteriosas se deslizan en canciones como The Musical Box. La mitología, otra inspiración lírica clásica en los primeros trabajos de Genesis, resaltaron en "Fountain Of Salmacis", y Collins hizo su debut como vocalista en la canción "For Absent Friends", aunque nunca la ha cantado en vivo.

FOR ABSENT FRIENDS

Mientras este álbum fue escrito, algunas partes del mismo fueron escritas por un miembro temporal de Genesis, Mick Barnard. En una entrevista, Tony Banks señala: "Steve (Hackett) estaba desde hace poco tiempo en la banda cuando grabamos 'Nursery Cryme'. Todas las partes de guitarra en "Musical Box" fueron escritas por Mick; Steve interpretó lo que Mick había tocado ya que no había mucho tiempo para aprender partes nuevas. De todas formas, la mayor parte de las guitarras rítmicas en esta canción son de Mick."
Con la llegada de Phil Collins y Steve Hackett al grupo la base rítmica adquiere un nuevo protagonismo en el que Phil y Mike Rutherford (bajo) adquieren una compenetración perfecta; además el estilo de la banda adquiere unos nuevos matices que se alejan del estilo folk-etéreo de su anterior trabajo y acercándose más a los del jazz-fusion, aunque siempre bajo el estilo personal y las complejas letras marca de la casa.
A partir de este trabajo Genesis empieza a definir su personalidad como grupo musical y pasa a ser uno de los grupos de culto (aunque no de ventas) de los primeros años de la década de los 70.
Las canciones contenidas en el disco empezaron a definir su género. Entre ellas están "The Musical Box" y "The Return of the Giant Hogweed", ambas siendo una excelente de muestra de las habilidades de la banda tocando juntos, en especial esta última. Ambas entraron en el repertorio de conciertos del grupo durante varios años.

THE RETURN OF THE GIANT HOGWEED

THE FOUNTAIN OF SALMACIS

Portada:La conmovedora imagen de la portada representa escenas de cada una de las canciones, fue pintada por Paul Whitehead, quien también fue el responsable de las portadas de Trespass y Foxtrot. En el libro de Armando Gallo se explica un poco sobre esta imagen: La Cajita Musical tenía una especie de sentimiento victoriano, y Whitehead estaba intentando crear algo que fuera realmente antiguo, como un álbum de fotos victoriano. Mike (Rutherford) eligió el color verde de una pintura de Dalí. Las cosas más visibles en la imagen son: "El tío Henry", Harold el Barril, El Hogweed y el Colegio Charterhouse (sobre la derecha). Las moscas en las esquinas son reales, Whitehead barnizó la pintura y luego quedaron pegadas. Aparentemente también hay una tijereta allí. Cynthia se supone que se vea muy joven pero tiene ojos realmente ancianos. La rotulación esta basada en unas letras antiguas que vio en una lata de cocoa victoriana.

Por otro lado, Peter Gabriel escribió una pequeña historia para "The Musical Box" que se encuentra al principio de las letras y en la cual también se ven referencias que son reflejadas en la portada. La historia dice así: Mientras Henry Hamilton-Smythe menor (8) estaba jugando al croquet con Cynthia Jane De Blaise-William (9), la dulce y sonriente Cynthia levanta su mazo y graciosamente le extirpa la cabeza a Henry. Dos semanas más tarde, en el cuarto de Henry, ella descubrió su preciada cajita de música. Ansiosamente la abrió y mientras "El viejo King Cole" comenzó a sonar una pequeña figura-espíritu apareció. Henry había regresado - pero no por mucho tiempo, porque mientras estaba parado en el cuarto su cuerpo comenzó a envejecer rápidamente, dejando una mente de niño en su interior. Los deseos de una vida le surgieron a él. Desafortunadamente en el intento de persuadir a Cynthia Jane para saciar su deseo romántico produjo que su niñera vaya al cuarto a investigar el ruido. Instintivamente Nanny le arrojó la cajita de música al niño barbudo, destruyéndolos a ambos.

El "El viejo King Cole" (Old King Cole en inglés) es una antigua canción tradicional inglesa, que Gabriel reproduce parcialmente en la sexta estrofa de "The Musical Box".

Sonido:Aunque no tan pulido en términos de producción como los álbumes que lo siguieron (la mayoría de las canciones estaban grabadas solamente en 8 canales), Nursery Cryme era un gran progreso del grupo con respecto a su trabajo anterior, Trespass. Aunque el sonido folk aún permanece en canciones como "Harlequin" y "For Absent Friends", otras canciones mostraban un sonido más agresivo y estridente. La guitarra principal de Hackett contribuía mucho con esto, con poderosos solos contenidos en canciones como "The Musical Box", "The Return of the Giant Hogweed" y "The Fountain Of Salmacis". La batería de Collins era justa y precisa, complementándose con el resto de los instrumentos.

Banks también contribuyó con este sonido más agresivo de varias formas: algún tiempo antes de que Hackett sea reclutado en la banda, Genesis actuaba en vivo con cuatro personas. Banks emulaba la guitarra tocando solos en su piano eléctrico, esta técnica puede ser escuchada en "The Musical Box" y en la introducción de "The Return of the Giant Hogweed". Además compró su propio melotrón Mark II a King Crimson y empleó el efecto de "tres violines" del mismo, para crear un gran efecto en "The Fountain of Salmacis" y "Seven Stones".

Otro elemento que contribuyó con el sonido creciente de la banda era la utilización de una pedalera electrónica Dewtron para bajo, por parte de Rutherford. Incluso en una canción como "Harold The Barrel", que apenas hace uso de este instrumento, estaba poseída de una energía como nada grabado anteriormente por Genesis.

HAROLD THE BARREL

GENESIS
Peter Gabriel
Tony Banks
Mike Rutherford
Phil Collins
Steve Hackett


PROGRAMA
(Música del grupo, letras indicadas)
01.The Musical Box 10:27
02.For Absent Friends  1:48
03.The Return Of The Giant Hogweed  8:12
04.Seven Stones  5:09
05.Harold The Barrel  3:01
06.Harlequin  2:55
07.The Fountain Of Salmacis  7:56

¡Arriad el foque!

¡Arriad el foque!
¡Arriad el foque!, ordena el capitán. ¡Arriad el foque!, repite el segundo. ¡Orzad a estribor!, grita el capitán. ¡Orzad a estribor!, repite el segundo. ¡Cuidado con el bauprés!, grita el capitán. ¡El bauprés!, repite el segundo. ¡Abatid el palo de mesana!, grita el capitán. ¡El palo de mesana!, repite el segundo. Entretanto, la tormenta arrecia y los marineros corremos de un lado a otro de la cubierta, desconcertados. Si no encontramos pronto un diccionario, nos vamos a pique sin remedio.

-Ana María Shua (*)

(*)De Wikipedia:
Ana María Shua (Buenos Aires, 22 de abril de 1951) es una escritora argentina. Su verdadero nombre es Ana María Schoua. (...) Hoy se considera que sus microrrelatos son los mejores en lengua española. Ha publicado en ese género Casa de Geishas, Botánica del caos, Temporada de fantasmas, Cazadores de letras (que reúne los otros cuatro) y en 2011 Fenómenos de circo, que apareció simultáneamente en Madrid y en Buenos Aires. En España la llaman "la reina del microrrelato".

AC/DC - Flick of the switch - 1983

"Flick of the Switch" es el  noveno álbum de estudio de AC/DC.Producido por la banda y editado en 1983.Llegó al puesto N° 4 en el Reino Unido y al N° 15 en los Estados Unidos.
Grabado en un momento conflictivo del grupo (Malcolm Young había atravesado problemas con el alcohol y el baterista Phil Rudd fue despedido por su adicción a las drogas, marca en cambio la consagración del sustituto del fallecido Bon Scott, el gran Brian Johnson.
 Rudd fue sustituido por Simon Wright (posteriormente batería de Dio).
El álbum está repleto de algunos de los mejores temas de la banda para quien ésto escribe, destacándose "Nervous Shakedown", "Guns For Hire","Deep In The Hole" y "Flick of the Switch".
Poco más se puede decir de un álbum y de una banda cuyo sonido no hay que entender sino disfrutar a un volumen razonable.

RISING POWER

THIS HOUSE IS ON FIRE

FLICK OF THE SWITCH

NERVOUS SHAKEDOWN

DEEP IN THE HOLE

BEDLAM IN BELGIUM

BRAIN SHAKE

TEMAS
01.«Rising Power»
02.«This House Is on Fire»
03.«Flick of the Switch»
04.«Nervous Shakedown»
05.«Landslide»
06.«Guns For Hire»
07.«Deep in the Hole»
08.«Bedlam in Belgium»
09.«Badlands»
10.«Brain Shake»

AC/DC
Brian Johnson - cantante
Angus Young - guitarra líder
Malcolm Young - guitarra rítmica
Cliff Williams - bajo
Simon Wright - batería

GUNS FOR HIRE

Emerson , Lake And Powell - 1986

Cuando Keith Emerson y Greg Lake quisieron revivir ELP. Carl Palmer no estaba disponible por cuestiones contractuales, debido a su participación en el supergrupo Asia.

Emerson entonces contactó a su amigo Cozy Powell, que ya tenía en su currículum haber sacudido los parches para Robert Plant, Whitesnake, Rainbow, Jeff Beck Group, etc. 

Juntos editaron un único álbum de estudio.

El sonido viene a ser un aggiornamiento del clásico estilo ELP a los tiempos que por entonces corrían.Powell era un sólido baterista de rock propiamente dicho y aportó lo suyo al sonido renvado y más accesible para los oídos y efe emes.

THE SCORE

LEARNING TO FLY

THE MIRACLE

TOUCH AND GO

LOVE BLIND

STEP ASIDE

LAY DOWN YOUR GUNS

Pero no podía faltar, y no faltó, la potente adaptación de una obra clásica, como hacían Emerson Lake & Palmer.

La elección recayó en "Los planetas" de Gustav Holst, concretamente en el más popular de esos planetas: Mars, the bringer of war. Por supuesto, un cierre brillante para un álbum suficientemente bueno como para que los fans lo coloquen junto a los clásicos de E.L.P. (aquellos con el batero apellidado Palmer, obviamente),

(Los bonus track de reediciones posteriores, sinceramente, me parecen innecesarios.)

MARS, THE BRINGER OF WAR

PERSONAL

Keith Emerson - Teclados

Greg Lake - Bajo, guitarra, voz

Cozy Powell - Batería, percusión

TRACKLIST

(Letras de Greg Lake, músicas de Keith Emerson excepto indicaciones)

CARA A

01. "The Score"   Emerson / Lake

02. "Learning to Fly"   Emerson / Lake

03. "The Miracle"   Emerson / Lake

CARA B

04. "Touch and Go"   Emerson / Lake

05. "Love Blind"   Emerson / Lake

06. "Step Aside"   Emerson / Lake

07. "Lay Down Your Guns"   Emerson / Lake / Gould (letra)

08. "Mars, the Bringer of War"   Gustav Holst adaptado by Emerson, Lake and Powell

Tangerine Dream - Cyclone - 1978

Cyclone, octavo álbum de estudio de Tangerine Dream, y editado en 1978 es el primero en incluir temas vocales. Steve Jolliffe se incorpora como vocalista, interpretando también flauta.También se une Klaus Krüger en la batería, completando la formación Chris Franke y por supuesto Edgar Froese.
Significó un cambio importante en el sonido de la banda, lo que desconcertó un poco a los fans del sonido instrumental de la banda, pero con el correr de los años ha sido justamente revalorado. La ilustración de la portada es obra del propio Edgar Froese.

TANGERINE DREAM - CYCLONE

MÚSICOS
Edgar Froese: sintetizador polifonico de 8 voces Oberheim, teclado dual mellotron mark v ,sintetizador de cuerdas Arpomni, sintetizador soloista de arpa digital, moog y sistema de control temporal de proyecto electrónico, guitarra personalizada Gibson Les paul, Korg PS3100, controlador Roland GR500 ,guitarra GS500, ensamble de cuerdas solina, guitarra acustica Ovation.
Chris Franke: moog, secuenciador de proyecto electrónico, secuenciador Computer studio digital, Loop melotrón, melotron M400, sintetizador arposoloista, sintetizador de cuerdas Elka, percusión electrónica, secuenciador Oberheim, sintetizador de 8 voces Overhein, Oby one.
Steve Jolliffe: voces, flautas baja y alta, piccolo, corno inglés, clarinete bajo, clavinete de Hohner, sintetizador de cuerdas Elka ,gran piano, Fender Rhodes,sintetizador Roland system-100, trompeta tenor y soprano, liricón de Computone.
Klaus Krüger: batería personalizada de poliester con unidad de multigatillo, percusión electrónica, timbales paiste, bubins, set de gongs de burma.

PROGRAMA
Bent Cold Sidewalk 13:05
Rising Runner Missed By Endless Sender 5:00
Madrigal Meridian 20:28

Yes - Tormato - 1978

Tormato es el noveno álbum de la banda de rock progresivo Yes, editado por Atlantic Records, en 1978. Inmediatamente posterior a Going for the One, alcanzó igualmente las listas de ventas entrando en el Top 10, siendo el himno conservacionista «Don't Kill the Whale» su sencillo más vendido. Tormato continúa con la línea del anterior álbum, con canciones más cortas y enérgicas que las largas suites progresivas de sus discos en los primeros años setenta, y es el último antes del abandono del grupo por parte de Jon Anderson y Rick Wakeman y su sustitución por los componentes de The Buggles en el álbum Drama (1980).

La portada fue de nuevo obra del grupo de diseñadores gráficos Hipgnosis y reproduce un montaje en cuyo fondo aparece el "Yes Tor", una formación rocosa en Okehampton (Devon, Reino Unido). Rick Wakeman le arrojó un tomate a la portada debido a la frustración que sintió al considerar a la imagen como "poco expresiva". Finalmente, se decidió ajustar la portada y contraportada dejando las manchas de tomate como parte de estas.

YES - TORMATO - FULL ALBUM

YES

Jon Anderson - voces

Chris Squire - bajo y vocales

Rick Wakeman - teclados

Alan White - batería

Steve Howe - guitarra

TRACKLIST

Future Times/Rejoice (6:44)

Don't Kill The Whale (3:56)

Madrigal (2:23)

Release, Release (5:46)

Arriving UFO (6:03)

Circus of Heaven (4:29)

Onward (4:02)

On The Silent Wings of Freedom (7:46)

Dizzy Gillespie Runs for US President - 1964

Dizzy Gillespie Runs for US President, 1964. 

Promises to Make Miles Davis Head of the CIA.

There comes a point in every national election year when I reach total saturation and have to tune it all out to stay sane—the nonstop streams of vitriol, the spectacles of electoral dysfunction, the ads, the ads, the ads. I’m sure I’m not alone in this. But imagine how differently we could feel about presidential elections if people like, I don’t know, Dizzy Gillespie could get on a major ticket? That’s what might have happened in 1964 if “a little-known presidential campaign… had been able to vault the millionaires-only hurdle.” What began as one of Dizzy’s famous practical jokes, and a way to raise money for CORE (Congress for Racial Equality) and other civil rights organizations became something more, a way for Dizzy’s fans to imagine an alternative to the “millionaire’s-only” club represented by Lyndon Johnson and Barry Goldwater.

Gillespie’s campaign had “Dizzy Gillespie for President” buttons, now collector’s items, and “Dizzy for President” became the title of an album recorded live at the Monterey Jazz Festival in 1963.

A take on his trademark tune “Salt Peanuts,” “Vote Dizzy” was Gillespie’s official campaign song and includes lyrics like:

Your politics ought to be a groovier thing
Vote Dizzy! Vote Dizzy!
So get a good president who’s willing to swing
Vote Dizzy! Vote Dizzy!

It’s definitely groovier than either one of our current campaigns. Dizzy “believed in civil rights, withdrawing from Vietnam and recognizing communist China,” and he wanted to make Miles Davis head of the CIA, a role I think would have suited Miles perfectly. Although Dizzy’s campaign was something of a publicity stunt for his politics and his persona, it’s not unheard of for popular musicians to run for president in earnest. In 1979, revolutionary Nigerian Afrobeat star Fela Kuti put himself forward as a candidate in his country, but was rejected. More recently, Haitian musician and former Fugee Wyclef Jean attempted a sincere run at the Haitian presidency, but was disqualified for reasons of residency. It’s a little hard to imagine a popular musician mounting a serious presidential campaign in the U.S., but then again, the 80s were dominated by the strange reality of a former actor in the White House, so why not? In any case, revisiting Dizzy Gillespie’s mid-century political theater may provide a needed respite from the onslaught of the current U.S. campaign season.

Josh Jones is a doctoral candidate in English at Fordham University and a co-founder and former managing editor of Guernica / A Magazine of Arts and Politics.

(Encontrado en: http://www.openculture.com/2012/10/dizzy_gillespie_runs_for_us_president_1964_.html)

**-*-**

DIZZY GILLESPIE - AFRO - 1954 (FULL ALBUM) 

Afro is an album by trumpeter Dizzy Gillespie recorded in 1954 and originally released on the Norgran label,
The Allmusic review states "Pairing Dizzy Gillespie with Cuban arranger/composer Chico O'Farrill produced a stunning session which originally made up the first half of a Norgran LP... A later small-group session features the trumpeter with an all-Latin rhythm section and flutist Gilberto Valdes... it is well worth acquiring".

Track listing :
"Manteca Theme" (Gil Fuller, Dizzy Gillespie, Chano Pozo) - 00:00
"Contraste" (Gillespie, Chico O'Farrill, Pozo) - 4:56
"Jungla" (Gillespie, O'Farrill, Pozo) - 7:00
"Rhumba Finale" (Gillespie, O'Farrill, Pozo) - 11:48
"A Night in Tunisia" (Gillespie, Frank Paparelli) - 16:31
"Con Alma" (Gillespie) - 20:54
"Caravan" (Juan Tizol) - 26:01
Personnel:
Dizzy Gillespie - trumpet, vocals
Gilbert Valdez - flute (tracks 5-7)
Quincy Jones, Jimmy Nottingham, Ernie Royal - trumpet (tracks 1-4)
Leon Comegys, J. J. Johnson, George Matthews - trombone (tracks 1-4)
George Dorsey, Hilton Jefferson - alto saxophone (tracks 1-4)
Hank Mobley, Lucky Thompson - tenor saxophone (tracks 1-4)
Danny Bank - baritone saxophone (tracks 1-4)
Rene Hernandez (tracks 5-7), Wade Legge (tracks 1-4) - piano
Lou Hackney (tracks 1-4), Roberto Rodriguez - bass
Charlie Persip - drums (tracks 1-4)
Candido Camero - congas, percussion
Mongo Santamaria - congas (tracks 1-4)
Jose Mangual - bongos, percussion
Ubaldo Nieto - timpani, percussion
Ralph Miranda - percussion (tracks 5-7)
Chico O'Farrill - arranger (tracks 1-4)

La anciana madre de Freddie Mercury desmitifica a su hijo

La anciana madre de Freddie Mercury desmitifica a su hijo

IÑIGO LÓPEZ PALACIOS 
22 SEP 2012

El líder de Queen alimentó una imagen salvaje, provocativa y bisexual
21 años después de su muerte, su madre airea un pasado religioso y una cándida relación familiar

(http://elpais.com/elpais/2012/09/21/gente/1348247085_085814.html)

Hay una cosa en la que todo el mundo parece estar de acuerdo: nunca hubo un solo Freddie Mercury. Para el periodista Sean O’Hagan, de The Guardian, nada expresa esta idea mejor que la imagen del divo en el famoso vídeo de Bohemian rhapsody, rodado en 1975: “Un prisma, repetido como una representación caleidoscópica de sí mismo. Ahí estaba Freddie: el showman, el camaleón, el fantasioso en el más estricto sentido del término. Todos ellos eran tan solo pistas del que llegaría a ser con el tiempo”, escribe en uno de los textos que acompañan a Freddy mercury, the great pretender. A life in pictures, un libro recién publicado que sirve de homenaje visual al cantante fallecido el 21 de noviembre de 1991 a causa de una bronconeumonía asociada al sida.

Esas imágenes de las que habla O’Hagan son solo la cara visible del vocalista de Queen. Al parecer, había más. Algunas, muy alejadas de esa figura de personaje salvaje, histriónico, aficionado a las fiestas en las que no faltaba de nada. Como la de su 39º cumpleaños celebrada en un club de Múnich en 1985, que aparecerá en el documental The great pretender, que se publicará en DVD el lunes. “Hay cuero, culos desnudos, bigotes, strippers y está Brian May vestido como una bruja”, dice su director, Rhys Tomas. Lo esperable, en suma.

“Freddie mantenía una estricta separación entre su trabajo, su hogar y su vida”, explicaba hace unas semanas la señora Jer Bulsara, de 90 años, en una entrevista con el Daily Telegraph. La señora Bulsara, que vive en un bungalow de tres habitaciones en la ciudad de Nottingham, es la madre de Freddie Mercury. Él jamás habló de su bisexualidad en casa. Ni siquiera con ella. Ni cuando estuvo muy enfermo. “Evitaba ciertos temas para protegernos”, contaba. “Hoy habría sido diferente, pero entonces le habría resultado muy difícil contárnoslo, y nosotros lo respetábamos”.

Brian May ha dado vía libre a Sacha Baron Cohen (Borat) para rodar un biopic centrado en los orígenes de Queen. La película recordará que Mercury tuvo una novia durante seis años, Mary Austin (un papel que se ha ofrecido a hacer Katy Perry). A pesar de que su relación se rompió cuando el cantante se inclinó por los hombres, dedicó a Austin la balada Love of my life y estableció en su testamento que ella heredara su casa de Londres.

Muchas de las fotos menos conocidas del libro que ahora se publica, fechadas en los años cincuenta, las ha donado su progenitora. Entre ellas, el retrato de un niño dentón de cuatro años con una guirnalda de flores en el pecho y un sombrero blanco de oración. U otra, realizada ese mismo día, en la que la señora Bulsara, vestida al estilo indio, y el pequeño Freddie, que entonces era Farrokh, se trasladan a un templo en un rickshaw, el taxi local de Zanzíbar, una especie de calesa de la que tira un conductor.

Porque antes de que naciera Mercury, el cantante de Queen, la superestrella del rock más teatral de la historia, en su lugar estaba Farrokh Bomi Bulsara, el hijo mayor de Jer y Bomi Bulsara, un funcionario indio de la Administración colonial británica, desplazado a la isla de Zanzíbar, en la actual Tanzania, por motivos laborales.

La familia Bulsara son parsis, seguidores de Zoroastro, al que se considera primer profeta de la historia. Una pequeña comunidad que apenas supera los 60.000 integrantes y que se agrupa principalmente en Bombay, donde son conocidos por las torres del silencio, unas estructuras circulares en las que colocan a sus muertos envueltos en un sudario para que los cadáveres sean devorados por los buitres.

QUEEN - LOVE OF MY LIFE

La personalidad exuberante de Mercury no encajaba excesivamente bien en el conservadurismo del culto. Tras estudiar desde los ocho años en internados británicos de la India, fundó su primer grupo con 12. Cuando tenía 15, Tanzania se declaró independiente y la familia Bursala se trasladó a Reino Unido. Para sus padres y su hermana pequeña, Kashmira, que ahora tiene 60 años, fue un trauma, pero no para él, que descubrió en el Reino Unido de mediados de los sesenta un ambiente mucho más adecuado para sus intereses. “La mayoría de nuestra familia eran abogados o contables. Pero Freddie insistía en que él no era lo bastante listo y que lo que quería era bailar y cantar”, explicaba la señora Bulsara en aquella misma entrevista. Mientras buscaba el éxito con sus bandas de juventud, Mercury vendía ropa de segunda mano en el mercadillo de Kensington, despachaba el catering del aeropuerto de Heathrow o ejercía de mozo de almacén. “Mi marido y yo pensamos que era una fase y confiábamos en que pronto entraría en razón y regresaría a estudiar cosas serias. Nunca ocurrió”.

Cómo ser Freddie por un día

Decía la señora Bulsara que la omnipresencia de la música y la imagen de su hijo le habían ayudado a soportar su ausencia. De hecho, fue una de las estrellas del rock fallecidas que aparecieron en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Londres. “También salió John Lennon, pero aplaudieron mucho más a mi Freddie”, recordaba la madre del cantante en su entrevista al ‘Daily Telegraph’. Es cierto que la figura de Mercury se ha agrandado en las dos décadas y pico transcurridas desde su fallecimiento. Hay que entender que solo tenía 45 años y que fue uno de los primeros famosos en morir por el sida, en un momento en que la enfermedad todavía era considerada por muchos un castigo a los homosexuales. Actualmente, cada 3 de septiembre se celebra el Freddie For a Day, una jornada anual en la que los participantes se visten como una de las múltiples caracterizaciones del divo para recaudar fondos para el Mercury Phoenix Trust Aids Charity. Del poder de convocatoria de esta organización da cuenta que a la gala que este año se organizó en el hotel Savoy de Londres asistió la princesa Eugenia de York.

FREDDIE MERCURY - THE GREAT PRETENDER

Electric Light Orchestra/Olivia Newton-John - Xanadu - 1980

Xanadu es una película musical de 1980 dirigida por Robert Greenwald.
Catalogada como "fantasía musical", por la temática es un remake no-oficial de la película de 1947 "Down to Earth" protagonizada por Rita Hayworth.
El título del filme es una referencia al poema "Kublai Khan, o la visión en un sueño”, de Samuel Taylor Coleridge.Xanadu el nombre de la provincia china donde Kublai Kan establece su jardín para el placer.

Los protagonistas son la cantante australiana Olivia Newton-John,  Michael Beck y el gran Gene Kelly nada menos.
Parece que la película fue un fracaso de taquilla en su momento aunque la banda sonora sí triunfó comercialmente.

LA TRAMA
Personalmente tengo particular afecto por Xanadu y creo que es de las mejores en su género.
El argumento es simple, y muchos pueden calificar a ésta cinta de cursi o "ñoña" pero para mi uno de los mayores encantos de la misma es precisamente la ingenuidad que lo impregna todo.
Sonny Malone (Beck) es un talentoso artista gráfico que diseña carteles promocionales para discos, pero que no es feliz con su trabajo y tiene "grandes sueños".Sonny se obsesiona con la visión fugaz de una chica que resulta ser Kira (Olivia), que no es una chica común en lo absoluto.No.Es una de las nueve Musas, nada menos.Kira es Terpsícore, la Musa de la Danza.
El tercer protagonista es un veterano ex director de una big band, Danny McGuire (Kelly), ahora un millonario reposado que en los años cuarenta había dejado escapar a su Musa y que simpatiza inmediatamente con Sonny y se hacen amigos.
El bueno de Danny (¿con un amigo así de buena onda quién no sueña tranquilo?) ayudará a perseguir su sueño al joven Sonny...y a su Musa.
El resto de la historia trata de como remodelan una vieja gloria arquitectónica, el Auditorium, para convertirlo en su espectáculo, su Xanadu.Y de la historia de amor entre un hombre y una criatura divina...
Bueno, no tenía intenciones de contar la película aquí.Suficiente.Sólo diré que aquí no hay sangre, antagonistas malvados y otros lugares muy muy comunes de la narrativa del cine.Es una historia muy mágica, muy cándida y muy musical.Por todo ello, la defiendo...a capa y espada.

LA BANDA SONORA
Las canciones de la banda sonora original están repartidas entre las que interpreta la misma Olivia  y canciones de la Electric Light Orchestra, repartidas "lado por lado" en los antiguos formatos de lp de vinilo o compact casette (los formatos originales de su época obviamente).
Éstas últimas naturalmente son composiciones de Jeff Lynne.En el caso de las interpretadas por Olivia Newton-John, son composiciones de John Farrar.
 Evidentemente quien ésto escribe es un gran admirador del trabajo de Lynne y la E.L.O., sus canciones siempre serán "las mejores" sin embargo tengo que decir que la "mitad Olivia" de la banda sonora es muy buena, es más que digna y agradable musicalmente.
Olivia hace duetos con Gene Kelly, con Cliff Richard, la banda de rock estadounidense The Tubes y finalmente pone su voz en el tema principal de la película con la E.L.O. en pleno, obviamente ésta una composición de Lynne.

ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA - I´M ALIVE

OLIVIA NEWTON-JOHN Y GENE KELLY - WHENEVER YOU´RE AWAY FROM ME

OLIVIA NEWTON-JOHN  Y THE TUBES - DANCIN´

ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA - ALL OVER THE WORLD

OLIVIA NEWTON-JOHN Y CLIFF RICHARD - SUDDENLY

ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA - THE FALL

OLIVIA NEWTON-JOHN - MAGIC

Si me lo preguntan, el siguiente es uno de los momentos más románticos de la música de ELO, de la historia de los dibujos animados; y del cine y la música en general.Ñoño nivel premium, eso si.

ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA - DON´T WALK AWAY

No hay dudas, la voz de Olivia tiene encanto, y los temas que Farrar compone para ella, también.
OLIVIA NEWTON-JOHN - SUSPENDED IN TIME

OLIVIA NEWTON-JOHN Y ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA - XANADU

FULL SOUNDTRACK ALBUM

LISTA DE CANCIONES

LADO A OLIVIA NEWTON-JOHN

01)Magic

02)Suddenly (with Cliff Richard)

03)Dancin´ (with The Tubes)

04)Suspended In Time

05)Whenever You´re Away From Me (with Gene Kelly)

LADO B ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA

01)I´m Alive

02)The Fall

03)Don´t Walk Away

04)All Over The World

05)Xanadu (with Olivia Newton-John)

Television - Television - 1992

Television, banda estadounidense liderada por Tom Verlaine y Richard Lloyd, integró la primera ola del punk neoyorquino.Fueron los primeros en tocar en el famoso club CBGB,por donde luego pasarían Patti Smith,Ramones, Blondie,Talking Heads, etc.Su primer álbum, Marquee Moon (1977) es un disco de culto.Tras Adventure (1978) el grupo se separó, para regresar en 1992 con este trabajo poseedor de un sonido fresco y refinado.Es uno de esos discos, de esos pocos, que no puedo dejar de escucharlo de principio a fin, e incluso un par de veces seguidas con total placer.Realmente uno de mis preferidos en mi colección.
Por lo mismo, mejor prestarle oídos que hablar de él.

1880 OR SO

SHANE, SHE WROTE THIS

IN WORLD

CALL MR. LEE

RHYME

NO GLAMOUR FOR WILLI

BEAUTY TRIP

THE ROCKET

THIS TUNE

PROGRAMA

01. 1880 Or So – 3:41
02. Shane, She Wrote This – 4:21
03. In World – 4:12
04. Call Mr. Lee – 4:16
05. Rhyme – 4:47
06. No Glamour for Willi – 5:00
07. Beauty Trip – 4:22
08. The Rocket – 3:23
09. This Tune – 3:42
10. Mars – 4:56
PERSONAL
Tom Verlaine - guitarra, voz, producción, mezcla
Richard Lloyd - guitarra y voz
Fred Smith - bajo, guitarra, voz, producción, mezcla
Billy Ficca - batería

Para el final, uno de los TEMAZOS, el más intenso tal vez:

MARS

Supertramp - Breakfast In America - 1979

Breakfast in America es el sexto álbum de estudio del grupo británico Supertramp, publicado  en marzo de 1979. Grabado en los Village Recorder de Los Ángeles entre mayo y diciembre de 1978, el álbum se convirtió en el mayor éxito comercial del grupo al llegar al primer puesto de la lista de los discos más vendidos en países como Alemania, Australia, Canadá y Estados Unidos, entre otros. Fue galardonado con dos Grammy en las categorías de mejor diseño de embalaje y mejor arreglo para álbum no clásico y ha sido certificado como disco de diamante en Canadá y con cuatro discos de platino por la RIAA. En Francia, Breakfast in America es el disco de un grupo inglés más vendido de todos los tiempos con ventas superiores a los 3 000 000 de copias.

JUST ANOTHER NERVOUS WRECK

Composición
Al igual que en Even in the Quietest Moments..., Rick Davies y Roger Hodgson escribieron la mayoría de las canciones por separado, aunque concibieron la temática del álbum de manera conjunta. El concepto original de Breakfast in America era un álbum de canciones sobre la relación y los ideales en conflicto entre Davies y Hodgson con el título provisional de Hello Stranger. Al respecto, Hodgson comentó: «Nos dimos cuenta de que algunas de las canciones se prestaban realmente a dos personas que hablaban el uno del otro. Yo podía estar sometiendo su forma de pensar y él podía desafiar mi modo de ver la vida [...] Nuestras formas de vida son tan diferentes, pero le quiero. Ese contraste es lo que hace que el mundo gire y lo que hacía que Supertramp funcionara. Sus creencias son un desafío para mí y mis creencias un desafío para él».

La idea original fue finalmente desechada en favor de un álbum de canciones «divertidas», y aunque al principio Davies quería mantener el título de Hello Stranger, fue convencido por Hodgson para cambiarlo por Breakfast in America. Hodgson comentó más tarde: «Elegimos el título porque era un título divertido. Se adaptaba más al sentimiento de diversión del álbum». Debido al título y a la explícita sátira sobre la cultura estadounidense en la portada y en tres de las canciones («Gone Hollywood», «Breakfast in America» y «Child of Vision»), muchos de los oyentes interpretaron el álbum como una burla de los Estados Unidos. Los miembros del grupo insistieron que las repetidas referencias a la cultura estadounidense con pura coincidencia y que no planearon una temática satírica. Al respecto, Hodgson describió la idea errónea como un paralelismo en la forma que Crime of the Century es a menudo malinterpretado como un álbum conceptual.

THE LOGICAL SONG

BREAKFAST IN AMERICA

«Gone Hollywood», tema de apertura de Breakfast in America y compuesto por Davies, habla de una persona que se muda a Los Ángeles con la esperanza de convertirse en una estrella de cine, aunque le resulta mucho más difícil de lo que imaginaba, luchando y frustrándose, hasta que se convierte en la «comidilla de Hollywood Boulevard». La letra era originalmente más sombría, pero bajo la presión de los demás miembros del grupo, Davies la reescribió en un tono más optimista y comercial.

GONE HOLLYWOOD

«Child of Vision», última canción del disco, y al igual que «The Logical Song», utiliza un Wurlitzer como instrumento principal. Después de la parte con letra, la canción entra en un solo al piano junto al Wurlitzer original. La canción se va desvaneciando con un breve solo de saxofón de John Helliwell. Hodgson comentó que la canción fue escrita como un equivalente de «Gone Hollywood», mirando cómo viven los estadounidenses, a pesar de que confesó que tenía escasa familiaridad con la cultura del país en el momento de su composición.

CHILD OF VISION

Grabación
Supertramp durante la gira de promoción de Breakfast in America.
Breakfast in America fue grabado a partir de dos tandas de demos. Los primeros fueron demos caseras, cada una de las cuales incluía al principal compositor, fuese Rick Davies o Roger Hodgson, tocando bien un piano acústico o un Wurlitzer al tiempo que cantaban.5 Los segundos eran demos de ocho pistas grabadas en los Southcombe Studios en Burbank (California) entre abril y mayo de 1978. Durante estas grabaciones, el grupo trabajó en las pistas de acompañamiento de todas las canciones, con la excepción de «Take the Long Way Home», y determinó el orden en el que aparecerían en el álbum.

Para evitar pasar mucho tiempo en las mezclas, el grupo y el equipo de producción dedicaron una semana entera a experimentar con diferentes configuraciones de sonido, hasta que encontraron los arreglos adecuados. El esfuerzo resultó ser en vano, ya que el equipo de ingenieros terminaron gastando más de dos meses buscando la mezcla perfecta, y terminaron después de este periodo de tiempo no por sentirse satisfechos con los resultados, sino porque el plazo de entrega del disco había terminado.

Las tensiones entre Hodgson y Davies fueron casi inexistentes en la grabación de Breakfast in America. Al respecto, el ingeniero Peter Henderson comentó: «Se llevaban fantásticamente bien y todo el mundo estaba muy contento. Había un muy, muy buen ambiente y creo que todo el mundo estaba realmente impulsado por las grabaciones y por la respuesta de A&M hacia ellos». Sin embargo, Hodgson discutió la anterior afirmación al decir que Davies y él tenían estilos de vida cada vez más diferentes. Además, Hodgson sentía que a Davies le disgustaban muchas de sus canciones y que solo se mantuvo en silencio porque intuía que sus propuestas serían rechazadas dentro del grupo. Harry Doherty, periodista de Melody Maker, ofreció una tercera versión sobre la relación entre Davies y Hodgson durante las sesiones de Breakfast in America: «En tres días con la banda, no creo que viese a Davies y a Hodgson conversar entre ellos, más que intercambiando saludos corteses».4

Breakfast in America contó con un buen número de canciones con el Wurlitzer como instrumento principal, mostrando sus distintivas habilidades. En particular, los diferentes sonidos emitidos por el Wurlitzer dependen de cómo se toque –canciones como «Child of Vision» y «The Logical Song» están edificadas sobre este sonido. El sonido peculiar del Wurlitzer había sido utilizado en canciones antiguas como «Dreamer» o «Lady», pero nunca de forma tan extensa como en Breakfast in America. Al respecto, seis de las diez canciones incluyeron una pista de Wurlitzer.

Portada
La portada de Breakfast in America se asemeja a la de una vista aérea de la ciudad de Nueva York desde la ventanilla de un avión. Fue diseñada por Mike Doud y representa a Kate Murtagh, vestida como una camarera llamada «Libby» asemejando la Estatua de la Libertad, sosteniendo con la mano derecha un vaso de zumo de naranja en un pequeño plato, en lugar de la antorcha de la Estatua, y con la mano izquierda un menú de restaurante plegable, en el que está escrito el título del álbum. El fondo ofrece una ciudad hecha de cajas de cereales, ceniceros, cubiertos, vinagreras y aceiteras, todas pintadas de blanco. Las Torres Gemelas aparecen representadas como dos pilas de cajas, mientras que el plato del desayuno representa Battery Park, el punto de partida del Ferry de Staten Island. La contraportada, en la que aparecen los miembros de Supertramp desayunando mientras leen periódicos de sus respectivas ciudades natales, fue realizada en un restaurante llamado Bert's Mad House.
Breakfast In America ganó el Grammy en la categoría de mejor diseño de embalaje, frente a otros trabajos como In Through the Out Door de Led Zeppelin y Fear of Music de Talking Heads.

Recepción
Tras su publicación, Breakfast in America obtuvo buenas reseñas en general de la prensa musical. En una crítica positiva, Stephen Holden de la revista Rolling Stone vio Breakfast in America como una mejora frente a la «esotérica parecida a Genesis y las muestras serpenteantes» de los anteriores álbumes de Supertramp y lo definió como un «álbum perfecto del art rock inglés post-Beatles y centrado en los teclados que golpea el más astuto equilibrio posible entre el clasicismo casi sinfónico y el rock and roll... Las canciones aquí son extraordinariamente melódicas y concisamente estructuradas, reflejando la saturación del pop estadounidense en estos músicos desde que se mudaron a Los Ángeles en 1977».En una reseña mixta, Robert Christgau de The Village Voice comentó que el álbum evoca «azarosos gruñidos de placer», pero que carece de sustancia emocional debido a las letras «simplistas» y la ausencia de «personalidad vocal, a diferencia del canto preciso, y de verdadero impulso, a diferencia de ritmo».

En una reseña retrospectiva, Stephen Thomas Erlewine de Allmusic elogió las «canciones pop bien escritas, pegadizas y bien construídas» y describió el álbum como el «punto culminante» del grupo. John Doran, de la BBC, comentó que la composición tiene una «calidad inmejorable» y afirmó que «cualquiera de las diez canciones podían haber sido sencillos de éxito».Por otra parte, Tyler Fisher escribió en Sputnikmusic que sus sencillos son en su mayoría los aspectos más destacados de sus «ganchos pegadizos» y encontró las baladas como «absolutamente horribles».Rob Sheffield, en The Rolling Stone Album Guide, también consideró que los «buenos momentos» del álbum eran sus aspectos más destacados, incluyendo «la alegre "Take the Long Way Home", la enloquecida "The Logical Song" y la malintencionada cancioncilla fuck-and-run "Goodbye Stranger"».William Pinfold de Record Collector consideró el álbum como «un ejemplo clásico de la perfecta interpretación y producción del soft rock transatlántico de finales de los setenta» y «una demostración perfecta de por qué tenía que suceder el punk».A fecha de 2010, el álbum ha vendido más de veinte millones de copias a nivel mundial.
A nivel comercial, Breakfast In America se convirtió en el álbum más vendido de Supertramp, con más de seis millones de copias vendidas en los Estados Unidos, donde llegó al número uno de la lista Billboard 200 durante seis semanas entre la primavera y el verano de 1979. El álbum también llegó al número uno en países como Noruega, Austria, Canadá, España y Australia, y fue el mayor éxito del grupo en su país natal, el Reino Unido, donde alcanzó el tercer puesto de la lista UK Albums Chart durante cinco semanas consecutivas. Además, produjo cuatro sencillos de éxito: «The Logical Song», «Goodbye Stranger», «Take the Long Way Home» y «Breakfast in America», que alcanzaron los puestos seis, quince, diez y 62 respectivamente en la lista Billboard Hot 100.18 Colin Larkin escribió en Encyclopedia of Popular Music que el álbum «elevó» a Supertramp a la «primera división del rock». «The Logical Song» ganó también el premio Ivor Novello en 1979 en la categoría de «mejor canción musical y lírica».
Breakfast in America aparece también en varias listas de los mejores discos de todos los tiempos, elaboradas por diferentes medios de comunicación. En la edición de 1987 de The World Critics List, el crítico Joel Whitburn situó a Breakfast in America como el cuarto mejor álbum de todos los tiempos.En la edición de 1994 de The Guinness All Time Top 1000 Albums, Breakfast in America fue votado el 207º mejor disco de todos los tiempos del rock y el pop, y aparece en el puesto 69 de la lista de los mejores álbumes británicos de rock de todos los tiempos en una encuesta elaborada por la revista Classic Rock.Por otra parte, los oyentes de Triple M situaron a Breakfast in America en el puesto 43 de la lista de los cien mejores discos de todos los tiempos.

(Texto editado de Wikipedia)

SUPERTRAMP
Rick Davies: Voz, teclados y armónica
John Helliwell: Saxofón, varios instrumentos de viento y coros
Roger Hodgson: Voz, guitarra y teclados
Bob Siebenberg: Batería
Dougie Thomson: Bajo
CRÉDITOS

Slyde Hyde: Trombón y tuba
Gary Mielke: Programación Oberheim
Supertramp: Producción
Peter Henderson: Producción, ingeniero de sonido
Russel Pope: Concert sound engineer
Dave Margereson: Management
Asistentes ingeniero:Jeff Harris, Lenise Bent
Mike Doud:Dirección de arte y cocepto de diseño.
Mick Haggerty: Diseño
Aaron Rapoport: Fotografía portada
Mark Hanauer: Fotografía contraportada

PROGRAMA
Músicas y letras:Davies/Hodgson
(Voz líder indicada por canción)
Cara A
01.«Gone Hollywood» Davies y Hodgson 5:20
02.«The Logical Song» Hodgson 4:11
03.«Goodbye Stranger» Davies 5:50
04.«Breakfast in America» Hodgson 2:38
05.«Oh Darling» Davies 3:49
Cara B
N.º Título Voz principal Duración
06.«Take the Long Way Home» Hodgson 5:08
07.«Lord Is It Mine» Hodgson 4:09
08.«Just Another Nervous Wreck» Davies 4:26
09.«Casual Conversations» Davies 2:58
10.«Child of Vision» Hodgson, Davies y Helliwell 7:25

Erasure - Always - 1994

Always es el décimonoveno disco sencillo publicado del grupo inglés de música electrónica Erasure, lanzado en 1994.Este sencillo es una canción compuesta por Vince Clarke.

Always fue el primer sencillo adelanto del álbum I Say I Say I Say.

Este sencillo llegó al puesto 4 en el ránking británico, el número 5 en Alemania y el número 20 en los Estados Unidos.

Erasure también realizó una versión en español de Always, llamada Siempre, sólo con fines promocionales.

ERASURE - ALWAYS

Open your eyes, I see

Your eyes are open

Wear no disguise for me

Come into the open

When it's cold outside

Am I here in vain?

Hold on to the night

There will be no shame

Always, I wanna be with you

And make believe with you

And live in harmony, harmony, oh love

I wanna be with you

And make believe with you

And live in harmony, harmony, oh love

Melting the ice for me

Jump into the ocean

Hold back the tide, I see

Your love in motion

When it's cold outside

Am I here in vain?

Hold on to the night

There will be no shame

Always, I wanna be with you

And make believe with you

And live in harmony, harmony, oh love

I wanna be with you

And make believe with you

And live in harmony, harmony, oh love

When it's cold outside

Am I here in vain?

Hold on to the night

There will be no shame

Always, I wanna be with you

And make believe with you

And live in harmony, harmony, oh love

I wanna be with you

And make believe with you

And live in harmony, harmony, oh love

I wanna be with you

And make believe with you

And live in harmony, harmony, oh love

I wanna be with you

And make believe with you

And live in harmony, harmony, oh love

I wanna be with you

And make believe with you

And live in harmony, harmony, oh love